El libro explora diferentes registros de actividad del sonido y la música en distintos formatos audiovisuales. Se interesa por los procesos cognitivos de subjetivación con los que los artefactos audiovisuales integran a sus audiencias a sus propios mecanismos narrativos internos.

Por un lado cuestiona las nociones de música diegética y no diegética. La academia anglófona lleva dos décadas discutiéndolas intensamente. Sin embargo, en Iberoamérica no hay apenas rastro de estas reflexiones. A partir de un minucioso estudio teórico-histórico, narratológico y del análisis de múltiples ejemplos, se señalan algunas de las contradicciones de esta topología ontológica.

También se ocupa de las músicas que Scott Bradley compuso para la serie Tom & Jerry. Se concentra en el estudio del papel de la música en la construcción diferentes tipos de gags y en la gestión de la macro estructura narrativa de cada capítulo. Se reformula la noción de Mickey Mousing: no se considera como una suerte de traducción musical intersemiótica que sonoriza mecánicamente lo que acontece en la imagen. Se trata de una unidad de significado multimodal a través de la cual se expanden de manera háptica en nuestros propios cuerpos las bufonadas físicas.

El libro examina cómo la música y el sonido son capaces de sostener distintos modelos, esquemas y estrategias argumentales dentro del spot publicitario. Ellos integran y direccionan todos los elementos argumentales de un modo que sería imposible para la palabra hablada o la imagen aislada.

Por último, estudia la cultura digital participativa y las conversaciones digitales que sostenemos a través de los videomemes. Analiza su principales componentes y sus procesos de expansión y transformación. A través de la ciber-etnografía desvela las motivaciones que animan a distintos produsuarios a participar en alguna cadena memética y de cómo a través de ellas dicen cosas sobre la música o el mundo.